mascaras hechas por todos los estudiantes de diseño grafico sobre, la historia del arte en todo el mundo

arte en publicidad

ARTE EN PUBLICIDAD 

El Museo se fundó como entidad privada, beneficiándose de numerosas donaciones de sus miembros y de empresas, siendo un ejemplo para otros museos de su clase, ampliando las fronteras del arte a disciplinas no admitidas en otras galerías. 

Es considerado uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. Alberga piezas tales como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1906) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas norteamericanos de primera fila como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e impresos. 

http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_Arte_Moderno_de_Nueva_York







DOMA son: Mariano Barbieri // Julián Pablo Manzelli // Matías Vigliano // Orilo Blandini
http://www.doma.tv/info



"Entender a la sociedad como un gran laboratorio permite detectar su reacción frente a distintos estímulos. Estamos viviendo un momento histórico muy particular. Un ciclo de cambio. Un clima que llama a la acción. DOMA intenta intervenir los distintos canales de información utilizando irónicamente los mismos códigos del sistema... busca un cambio en el proceso perceptivo ofreciendo nuevos puntos de vista. El proceso: Cruce de ideas. Acción-Reacción." Doma 1998. DOMA es un grupo de artistas de Buenos Aires, Argentina, que irrumpió en la escena de arte urbano local en 1998 a través de stencils, instalaciones urbanas, proyecciones callejeras y campañas absurdas. Estudiaron Imagen y Sonido, Ilustración y Diseño Gráfico formándose profesionalmente en la UBA donde más tarde ejercen como docentes. Hoy día dividen su tiempo entre diversos proyectos artísticos originales, trabajando con distintos formatos y medios. En mayo de 2008 inauguran su propia galería de arte, Turbo, donde exhiben obra propia y de otros artistas. A través de los años DOMA fue desarrollando diversos universos audiovisuales con personajes que cobraron vida más








tarde con la especialización del grupo en el arte de instalación, la producción de animación, filmación, VJeing, arte urbano y muñecos de diseño.



En los últimos años DOMA ha producido importantes instalaciones de arte, cortos de animación, libros, muñecos de diseño, etc. y ha sido invitado a participar en importantes festivales y muestras internacionales en Berlín, Nueva York, Barcelona, Israel, Portland, Montreal, Lima, San Pablo, etc. A nivel nacional han expuesto en el Malba, Ruth Benzacar, MAC Bahía Blanca, CCEBA y Macro Rosario, entre los más destacados.




















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 VICTIMA

El sistema busca victimas y nosotros somos el mejor target para serlo.S i elegis jugar desde adentro, tenes que saber que el riesgo es alto. La representacion grafica y tangible tenia que ser grande, manipulable y directo a la calle.

arte conceptual

Body art



A partir de 1965, Joseph Kosuth realiza sus primeras "pre-investigaciones". Estas propuestas consisten en trabajos constituidos por un objeto y sus representaciones: la fotografía y la definición, sacada de un diccionario, fotografiada y ampliada. Una y tres sillas es una de sus piezas más conocidas. Con este tipo de obras, el artista conceptual pone de manifiesto que no es en absoluto necesaria la creación de determinados objetos, pues resulta suficiente la definición de tales objetos. La elección de objetos neutros o cotidianos -sillas en este caso- se relaciona con la necesidad de desacralizar el objeto y alejarlo de cualquier connotación decorativa.

El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. El creador de este movimiento fue Francisco Javier Martín López, mejor conocido como "Chupete" o "Chupe el Gordo".

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. body art!

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http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc130b.html

ARTE CONCEPTUAL

Concepto


Es un movimiento artístico en el que las ideas son un elemento más importante que el objeto o su representación física. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. Varios autores hablan del arte contemporáneo como un arte post-conceptual


El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico


Características





La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.


Joseph Kosuth: Una y tres sillas.
1965.
Museo de Arte Moderno, Nueva York.

http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art


http://www.artelista.com/arte-conceptual.html


http://es.wikipedia.org/wiki/Documenta


http://es.wikipedia.org/wiki/Kassel

vida artificial

VIDA ARTIFIAL

Concepto: VIDA, el Concurso Internacional Arte y Vida Artificial, iniciado en 1999 por la Fundación Telefónica, se funda sobre la misión de impulsar la creación en este campo singular a través del reconocimiento del trabajo pionero de los artistas. A lo largo de estos catorce años VIDA se ha convertido en una de los concursos más prestigiosos del mundo del arte y el único en el mundo dedicado al estudio de la vida. Con cada nueva convocatoria el premio ha visto consolidada su labor de fomento y estímulo en un ámbito en el que el arte, la ciencia y la tecnología convergen.

Características

Esta conciliación entre disciplinas constituye el eje fundamental de la vida artificial. Científicos, artistas y pensadores han debatido incesantemente los fundamentos de los procesos vivos a la luz de los últimos avances y en consideración a los procesos de transformación del conocimiento. Comportamiento, autonomía, adaptación al medio y evolución son los aspectos con los que se expresa la organización de la vida. Son estas propiedades fundamentales las que se recrean en los artefactos artísticos que, dotando de cualidades dinámicas e interactivas, sintéticas o biológicas, expresan realidad híbrida de la vida tal como la conocemos.

PROYECTO


Tuur van Balen (Bélgica)

VIDA 14 - Primer premio



El artista y diseñador Tuur Van Balen explora en Pigeon D’Or el ecosistema urbano a través de la búsqueda de una plataforma biotecnológica ideal para explorar la complejidad de este entorno y las relaciones que existen entre sus habitantes. Participando en el trabajo de aficionados a la columbofilia, el artista descubre en este proyecto valiosas prácticas de ciencia ciudadana en donde la fauna urbana es dotada de un nuevo sentido. Por medio del uso de las novedosas técnicas de la biología sintética, Pigeon D’Or plantea un red de relaciones bioquímicas entre una serie de bacterias y el metabolismo de la palomas urbanas.







http://vida.fundaciontelefonica.com/project/pigeon-dor/








Van Balen diseña dos interfaces físicas para optimizar la acción de estos singulares limpiadores alados: un armazón de madera que les permite posarse sobre los parabrisas de los coches, o el apéndice de un palomar que se anexa con facilidad a las fachadas de los edificios. Estos artilugios vinculan de un modo pragmático a las palomas con los sistemas de movilidad y los hábitats de las personas, y sirven al artista para expresar la nueva función de la paloma en su entorno, con la naturalización de su metabolismo manipulado y las nuevas propiedades que adquieren sus resíduos. Mediante esta obra, el set de herramientas proporcionado por la biología sintética, se convierte en un novedoso modo de creación de formas de vida artificial que asume una estética de amplia diversidad conceptual. El proyecto en su totalidad se convierte en una herramienta para explorar las consecuencias éticas, políticas y estéticas del diseño a través de las nuevas biotecnologías. Existen valiosos referentes en la historia del arte y la vida artificial, en donde se puede entender el Pigeon d’Or de Van Balen como un guiño al pato automáta que creó Jacques de Vaucanson en el siglo XVIII.

la edad contemporánea después  de 1900

CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo

Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama, la cual se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, estas no están con métricas, ni versos (la rima es opcional).


















PINTURA METAFÍSICA
Corriente pictórica italiana que se caracterizó por las yuxtaposiciones de objetos en perspectivas abiertas y por la representación de un mundo onírico y desolado. El movimiento pictórico metafísico proveyó de significantes a movimientos ulteriores como el dadaísmo y surrealismo. Este movimiento tuvo corta vida y se disolvió definitivamente en 1920.

http://www.ecured.cu/index.php/Pintura_metaf%C3%ADsica

Representación naturalista de las figuras, los objetos y las acciones en un espacio escénico-pictórico controlado.
Escenas colmadas de misterio y quietud.
Imágenes que se alejan del mundo corriente y ordinario.
Lenguaje pictórico altamente poético, fuerte y correctivo en lo formal.
Exploración de la naturaleza enigmática de los objetos y sus posibilidades dentro de la pintura.
Representación de ambientes desolados, carentes de vida y en los que se yuxtaponen figuraciones variadas.
Uso de la perspectiva convencional, ponderando lo espacial.
Marcado efectismo y énfasis en los efectos de sombra como elemento para potenciar los efectos de relaciones espaciales, luz y profundidad.
Marcado deseo por representar la vida interior de los objetos y su interrelación.






CONSTRUTIVISMO



http://suvproducto.blogspot.com/2010/08/constructivismo.html

Fue un movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una notable influencia en el arte europeo. Fue fundado por el escultor y pintor ruso VladimirTatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales: metal, alambre, trozos de plástico, entre otros.


Surge en el siglo XX, Rusia es el lugar de donde se desprende dicho movimiento, su fundador Vladimir Tatlin se dedicó a la elaboración de piezas escultóricas abstractas, por medio de la utilización de diferentes tipos de materiales industriales, y es de ahí de donde surge el nombre.
Se sitúa a los artistas de ésta época, con un nuevo rol, por el hecho de retomar las formas de las que solemos rodearnos, y crear nuevas obras.
En 1920 Gabo y Pevsner se dedicaron a la publicación en Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.

http://www.ecured.cu/index.php/Constructivismo




NUEVA OBJETIVIDAD
fue un movimiento artístico surgido en Alemania a comienzos de los años 1920 que rechaza al expresionismo. El movimiento acabó, esencialmente, en 1933 con la caída de laRepública de Weimar y la toma del poder por los nazis. El término se aplica a obras de arte pictórico, literatura, música, arquitectura, fotografía o cine.

http://jacgmur.blogspot.com/2009/06/nueva-objetividad.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Nueva_objetividad#Definici.C3.B3n

ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA




El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_Quitasol_(Goya).jpg

El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ubicarse cronológicamente con distintos criterios:
Con un criterio extenso, incluye el arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye únicamente:
el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas);
el arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museosde arte suelen denominar "arte contemporáneo a las colecciones de ese período);
el arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito histórico, por ejemplo, la caída del muro de Berlín (1989) o el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York (2001).

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo

Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte

Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno



NEOCLASICISMO



El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas del barroco.


Se llama Neoclásico al estilo artístico que se desarrolló, fundamentalmente en Europa y Estados Unidos, durante la segunda mitad del siglo XVIII y las dos primeras décadas del XIX.

http://www.arteespana.com/neoclasicismo.htm

Se inspiró en los modelos de la Antigüedad clásica de Grecia y Roma. Influyó decisivamente en ello el hallazgo de las ruinas arqueológicas de Herculano (1719) y Pompeya (1748), antiguas ciudades romanas.
Surgió como una reacción al estilo imperante hasta el momento, elRococó (barroco tardío) al que criticó sus excesos decorativos.


El principal foco de producción neoclásica fue Francia, donde laIlustración, identificada con este estilo, tuvo gran relieve. Tras la Revolución Francesa, Napoleón alentó el denominado “Estilo Imperio”, una evolución del Neoclásico.


La búsqueda del ideal de belleza, la razón, la sobriedad y lafuncionalidad, junto con el empleo de elementos clásicos(columnas, frontones, cúpulas, etc.) fueron difundidas a través de lasAcademias de Bellas Artes y los museos.



http://roble.pntic.mec.es/cgee0016/4esohistoria/quincena3/swf/li-arte-neoclasico/libro.html


ROMANTICISMO



http://www.uaeh.edu.mx/docencia/P_Presentaciones/prepa1/artes/ARTE%20ROMANTICISMO.pdf

Movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del norte) a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.


La principal característica de este estilo es que vuelve a utilizar las antiguas formas góticas. Ejemplo de esta característica lo muestran las diferentes edificaciones que se erigieron con este estilo arquitectónico, entre las cuales se destacan notoriamente:
• La restauración de la catedral de Colina, en Alemania.
• El Castillo de Neushwanstein.
• La iglesia Vitiva, en Viena.
• La Abadía de Meredsous en Bélgica.
• Las iglesias de Lourdes y de Nuestra Señora de Chiquinquirá.
• La Catedral de La Plata.
• La Iglesia de Coronado.
• El Parlamento de Budapest.
• La Con-catedral de San Sebastián.


REALISMO

http://es.wikipedia.org/wiki/Realismo_art%C3%ADstico

El arte realista puede definirse, en cuanto a su contenido, como el que representa los temas "de acuerdo con reglas seculares y empíricas" de modo que tales temas sean "explicables en términos de causas naturales, sin recurso a intervención sobrenatural o divina"; considerando la existencia de una realidadobjetiva en tercera persona, sin embellecimiento o interpretación (como hacen los enfoques idealistas del arte: el idealismo artístico, concepto con el que se contrapone).
Tal aproximación implica inherentemente una creencia de que tal realidad es ontológicamente independiente de los esquemas conceptuales del hombre, de sus prácticas lingüísticas y creencias, y que puede ser conocido (o conocible) por el artista, que puede a su vez representar fielmente esa realidad. Según Ian Watt el realismo moderno "comienza con la posición de que la verdad puede ser descubierta por el individuo a través de los sentidos" que "tiene sus orígenes en Descartes y Locke, y recibe su primera formulación con Thomas Reid a mediados del siglo XVIII."
El realismo en las artes tiende a representar personajes, situaciones y objetos de la vida cotidiana de forma verosímil. Tiende a descartar los temas heroicos (tan caros al clasicismo, que los representa con una perspectiva idealista) en favor de temas más neutros, pegados a la tierra. En la definición que del esperpento hace su creador, el dramaturgo español Ramón de Valle Inclán, se comparan, oponiéndola a la suya (que identifica con la de Goya, Quevedo o Cervantes), las dos perspectivas que han dominado la historia de la literatura y de las artes plásticas: la que hace al espectador admirar de rodillas a los héroes homéricos y la que le pone a los personajes a su nivel, en los dramas de Shakespeare.


IMPRESIONISMO

http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo

Aunque eltérmino Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es lapintura. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El movimiento fue bautizado por la crítica como impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a lapintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.


SIMBOLISMO

http://es.wikipedia.org/wiki/Simbolismo

El Simbolismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario, publicado en 1886, Jean Moréasdefinió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud establece una correspondencia entre las vocales y los colores en su sonetoVocales). Para ello es esencial el uso de la sinestesia.
El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. El escritor Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, influyó también decisivamente en el movimiento, proporcionándole la mayoría de imágenes y figuras literarias que utilizaría. La estética del Simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas.




NE-IMPRESIONISMO
Neo-impresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés FélixFénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoimpresionismo

Los impresionistas usan en su paleta colores puros, bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo, estos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendra la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones. Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-, los colores se mezclan en el ojo del espectador, si este se coloca a la debida distancia. No hay otro medio para detener satisfactoriamente el juego y el choque de elementos contrastantes: la justa cantidad de rojo, por ejemplo, que se encuentra en la sombre de un verde, o el efecto de una luz naranja sobre un color local azul o bien, a la inversa, el de una sombra azul sobre un color local anaranjado. Si estos elementos se combinan de otra manera, y no por mezcla óptica, lo que se obtiene es un color sucio.
El objeto de la descomposición de los colores es conferir al color el mayor esplendor posible, crear en el ojo -mediante la mezcla de las partículas de color yuxtapuestas- una luz coloreada, el brillo de la luz y los colores de la naturaleza. De esta fuente de toda belleza, tornamos nosotros las partes fundamentales de nuestras obras, pero el artista debe seleccionar esos elementos. Un cuadro de líneas, y colores, compuesto por un artista genuino, representa una plasmación más mediata que la copia de la naturaleza tal y como nos la ofrece la casualidad. la técnica de descomposición de los colores asegura precisamente a la otra, una armonía cabal -divina proportione-, merced a la correcta distribución y exacto equilibrio de aquellos elementos, y según las reglas del efecto de contraste, gradación e irradiación. Los neoimpresionistas aplican estas reglas -que los impresionistas solo observaron aquí y allá y por instinto- en la forma más constante y estricta. Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada, puesto que no les sirve como medio expresivo del modelado, del sentimiento o de la imitación de la forma de un objeto. Para ellos, la pincelada no es más que una de las innumerables partes que, en conjunto, componen el cuadro; un elemento que desempeña el mismo papel que la nota en una sinfonía. Sensaciones tristes o jubilosas, estados de ánimo apacibles o agitados no se expresan ya a través del virtuosismo de la pincelada, sino mediante la correlación de líneas, colores y tonos. El arte de los coloristas está evidentemente asociado, en cierto sentido, tanto con la matemática como con la música. Frente a una tela todavía intacta, el pintor debería determinar ante todo cuáles son los efectos de líneas y superficies que la cruzan, cuáles los colores y tonos que deberían cubrirla. La descomposición de los colores es un sistema que busca armonía, es más una estética que una técnica.
POSTIMPRESIONISMO
El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo

Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence.
Sus formas más exageradas y el uso del color, estructura y líneas prepararon el terreno para los estilos que seguirían más adelante del siglo XX, como el fauvismo o el cubismo.
El crítico de arte y pintor Robert Fry fue el primero en el utilizar el término "postimpresionismo" cuando en 1910 organizó una exposición en las Grafton Galleries de Londres tituladaManet and the Post-Impressionists, en la que los protagonistas más destacados fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh, por entonces ya todos ellos fallecidos.
Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador. Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial. Estos nuevos impresionistas tienen una visión particular de su pintura, que les aleja del impresionismo clásico.

Casi todos estos autores serán, durante un tiempo, impresionistas, pero lo superarán dando soluciones personales. Muchos de ellos están en el origen de las vanguardias históricas.
MODERNISMO
es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle ybelle époque.
Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:
Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración.
Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista.
Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.
Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.
Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento